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【摘要】音乐在不同的民族、不同国度间的交流几乎没有障碍可言，更不用劳心劳力地去“翻译”。在所有的乐器中，钢琴的表现力最为丰富而细腻，感染力也最强。如何在钢琴上获得理想的音乐境界，这其中离不开音乐表现。本文对钢琴演奏中的音乐表现进行了阐述和探讨。
在所有的乐器中，钢琴的表现力是最为丰富而细腻的，感染力也是最强的。在钢琴上获得理想的音乐境界，离不开音乐表现。音乐是通用的语言，是可以融入人的情感而存入人的心灵之中。在表现某部作品时，首先要分清音乐的特性。
一、抓住音乐的情绪是表现音乐的关键
音乐特征是指音乐内容、情绪、形象、意境等，它决定了音乐的局部特性和总体风格。音乐特性是音乐的实质，是领会音乐，把握音乐的基本要素，它决定我们用什么方式，什么手法，什么情感去表现音乐。因此，讲到音乐表现，首先要把握乐曲的音乐特征。它大致可以分为三类：抒情性的、活泼的和激情的。
二、表现音乐要把握乐曲的风格
演奏的表达方式一定要符合乐曲的内容。作曲家在写作时已经将他所知道的和所感觉到的一切都蕴藏在乐曲中了。这其中包括音乐术语，即乐曲的情绪、表情，音乐的速度、性质等；包括乐曲的力度标记，在古典作品中力度标记是从pp到ff，有p，mp，mf，f六个不同的层次，而到了浪漫乐派及后期的一些作品从pppp到ffff，幅度就更大了，还有sf、sfz、crese、dim等；包括乐曲速度的不同变化，主要有放宽（Allargando）、减慢减弱（Calando）、加快（Accelerando）、逐渐加快（Stringendo）等四种。“一首乐曲的正确演绎，来源于正确的理解，而这又得完全依靠细致的正确视谱。”
三、在音乐表现中要善于运用各种触键方式
都说音乐是声音的艺术，因为声音就是音乐本身。要使声音美妙动听，与触键的力量、力度和触键的方法有着直接的关系。弹奏强弱层次不同的音响，应该从触键上下工夫。用不同的力度，不同的用力方式都会产生不同的效果。然而自然力量的运用是良好声音的基础和保证，也是触键时保持自然放松的最佳方法。自然重量要求整只手臂都放松自如，从肩部舒展下垂，到整个手臂协调下垂，通过灵活而放松的手腕调节，将手臂的重量传到手指，手指的三个小关节都要微微突起，尤其是掌关节，必须要作为力量的支撑点，支撑好手指。所以要想自如的弹好钢琴并让它发出悦耳的声音，最重要的是学会手臂放松，手指要站立支撑好，正确运用手臂的自然重量。
1．在断奏练习中体会重量弹奏法这种练习不能离键太高，不能敲击，也不能挤压琴键，要让声音充分扬出来，具有弹性，才能有光彩。
2．当音乐要求如歌的、充满感情的弹奏时，重量的使用也起着至关重要的作用。这种练习不是靠指尖，而是要把手指放平些，用手指肉较厚的部位去弹，触键要慢，慢慢把力量送到键底。在句子进行时，要运用手臂的控制，每一步都要小心地控制。
3．当音乐要求奏出刚劲饱满，气势磅礴的声音时，用重量弹奏各种和弦是最为常见的。这种练习要求双手的触键要很整齐，手臂要松弛，自然重量要畅通无阻，才能奏出刚劲饱满，气势磅礴的声音。
4．在弹奏庄严缓慢的旋律时，手臂的重量在弹奏时要饱满深沉，充分体现出声音横向进行的力量。这种练习全部手臂和上身的力量去弹，手指贴键，触键深些、慢些。
5．另外还有运用重量弹奏快速的十六分音符或速度较快的经过句，使它光彩、均匀、流畅。这种练习重量用得太少，声音不能饱满、光彩夺目；若重量用得多手指又不能跑得太快，更不可能轻松自如，就像挑重担一样。
由此可见，重量在演奏中对钢琴音色变化的作用是很大的。它可以帮助我们更好地表现音乐，体会音乐。当然除了自如地运用手臂的重量外，还可以运用身体的重量，力度和音色也就会有更加丰富的变化了。钢琴演奏是一门表演艺术。它不仅仅是音高、节奏的拼凑，更重要的是蕴藏着作曲家丰富的情感和思想内涵，需要演奏者通过钢琴，用音乐的语言来表现乐曲的思想感情和音乐形象。不能单纯地在弹奏技巧上下工夫，更重要的是把情感融入音乐中去，创造性地展现对音乐语言的感受能力和表现能力，这就是音乐表现力的培养。除此之外，更重要的是对音乐要有内心歌唱的感觉。
在我们学习音乐的过程中，我们对于练琴只限于基本功的练习，有的也只是一些简单的处理，或者模仿录音等。就笔者而言，以前练琴是非常被动的，只是做一些表面工作，听起来就只是乒乓乒乓的声音，无论什么乐曲听上去都像是在弹奏手指练习，学起来也没有什么兴趣。其实这是一个普遍的现象，当年龄慢慢增长起来，想象力却日益衰退，最后只能是一个弹琴的机器。但在后期的专业学习中，想象给了我很大的帮助，先是对声音的想象，分辨出各种声音后，通过自己的努力弹奏出理想的音色，使我感到了极大的乐趣，促使我更努力地去学习，从而增强了学习的兴趣。以前只知道音高、音值、强弱，而现在想到的还有内心的歌唱，而且还会自觉地用听觉来检验所发出的声音是不是符合所想到的声音。因此没有想象力的演奏是没有什么生命的。
四、在音乐表现中对声音的想象
在练琴时，应该以极大的热情、注意力、想象力和分辨力进行弹奏。然而，要做到这些，首先要对听觉的要求贯穿始终，理想的声音只有通过听觉才能得到验证。当你弹第一个音时，就要对声音有一个想象，对声音要有一个鉴别力，必须要在声音上下工夫，就是练习声音。舒曼曾经在《论音乐和音乐家》中说过：“耳的意识并不次于其眼。这个繁忙的器官从周围世界的一切音响和音调中摄取一定的轮廓；经凝练后形成清晰的形态。在音乐中，直接由这些耳的意识的作用过程而激发的思想和画面的因素越多，作品的表现力则越富有诗意和创造性。同样音乐作品的感染力的程度也正是取决于音乐家在接受这些印象时的敏锐程度和想象力水平。”
五、在音乐表现中对乐曲意境的想象
如果能将一首乐曲看作一幅画去形象思维，便会取得良好的效果。即使像《小星星》这样的小曲，我们也可以大胆地想象：身处在美丽的夜晚，在深蓝色的夜空中，无数的小星星在静静地眨着眼睛……这样，把音乐注入生活，就非常自然地表现了音乐的情感。再如，我们在弹《威尼斯船歌》时，可以想象自己坐在一只小船上，四周的湖水清澈透明，湖水的周围被茂密的树林包围着，明媚的阳光照耀在波光粼粼的水面上，天气暖洋洋的，偶尔吹来一丝凉风，舒服极了！这样使歌曲的已经完全展现在脑海中，效果自然是事半功倍。音乐表演中的想象，是以对音乐作品的深刻领会为基础的；包括音乐作品、作曲家、创作背景、创作意图，一些说明性的文字等，这些都可以成为想象的依据。钢琴家郎朗说：“音乐中最伟大之处就在于你可以使用你想象中的任何东西。你可以读史，小说、看电影，然后通过音乐来编织你想象到的图画。”
六、关于音乐想象力的培养
音乐的想象力就是对音乐声音与形式方面变化及表现力的想象能力。这种想象越灵敏，越丰富，对音乐内涵的表现就越准确、越深刻。为了充分发挥我们的想象，一定要不断扩大和丰富自己的生活积累；并且要随时观察体验各种生活的自然景色和生活画面，善于捕捉那些最激动人心、最富有诗情画意的生活场景。我们不能一味地追求进度，而应该以培养音乐修养为目的。要知道学琴并不是越学越深，演奏技巧并不是总会不断提高，因此，学琴到一定程度后就是想拓宽，摄取更多的音乐作品。其中了解更多的音乐文化是最主要的方法，包括了解中外文学作品，多读关于音乐史的书籍，了解作品的时代以及特点，了解作曲家生平、背景；还可以通过多读中外文学作品开拓思路，提高表达能力；欣赏绘画作品，通过优秀的作品（绘画），提高钢琴学习者的想象力。多欣赏各类音乐作品，为开阔音乐视野，应多听音乐会、听音带，珍惜接触音乐的每一次机会，让学习者提高个人音乐素养，有利于提高作品演奏技巧，更好地表达音乐作品。当我们听多了，对音乐的感受力就会越来越敏锐，想象力也会变得更加丰富，这时我们就会在音乐中获得更多的快乐。因此。外在的体验是音乐想象的主要源泉，可以说没有生活就没有想象，没有想象也就没有音乐。对于年龄较小的琴童来说，培养他们对音乐的想象力可以采取以下几种方式：故事法、绘画法、表演律动法、讨论法。
虽然我们在弹奏乐曲时有了丰富的想象力和对音乐的表现，这一切完全由音乐本身的情绪和语言而决定。它的起伏、轻重、缓急，完全是合乎情理的需要，是可以表达的，歌唱的，因此也是自然的。其他如节奏快慢轻重强弱的变化，音色的明暗对比，通篇的句逗、休止及延长音的处理，以及高低潮的安排等都将是你的音乐表现。这些变化并不可以随心所欲，任意渲染，最重要的是自然而然，符合乐曲原旨，勉强的刻意以求只会让人感到做作。所以这一切都要变为自己的心声，是真正发自内心的歌唱，应该认识到最完美的演奏是“自然”。生动形象的体态动作语言，应具备两个特点：第一要自然，就是不扭捏做作，手势要如行云流水，轻松自如；第二要明确，就是意思要表达明确，不做无意义的动作，不做过多的动作，给人以手舞足蹈，缺少修养的感觉。动作都是次要的，那不是刻意做出来的，要想有感情有深度的演奏，前提是你必须了解要弹的曲子，必须有一定的认识，有一定的理解才行，演奏时自己的感觉要融到曲子里，要明白曲子表现的是什么，哪里欢喜哪里悲哀，只有这样才能弹出感情，这时只要全身是放松的，身体的动作自然就有了。当然，有些地方还是要自己加一些夸张点的身体动作，但必须要自然，不能脱离乐曲。关键是听觉的艺术而不是刻意追求视觉的效果。
综上所述，钢琴演奏中的音乐表现和音乐想象都是可以培养的。但你需要多接触、多学习、多思考，建议可以每天听音乐，这是自我锻炼乐感的好办法。另外还提倡大家：“行万里路，读万卷书，听万首曲”，“听万首曲又是关键的关键”。若要学习一首作品，尽量去听一些高质量的CD。因为那是经过精雕细琢的音色和音质，会对我们学习一首新作品很有帮助的。阿劳也说过：“艺术家头脑里的音乐越多，就越能成为一个伟大的解释者。”
【参考文献】
［1］（波）约.霍夫曼著.论钢琴演奏［M］.李素心译.北京：人民音乐出版社，2005：36.
［2］张前，王次昭著.音乐美学基础［M］.北京：人民音乐出版社，2005：205.
［3］（美）卡尔.西肖尔.音乐想象［J］.中国音乐学，1988：1.
在所有的乐器中，钢琴的表现力是最为丰富而细腻的，感染力也是最强的。在钢琴上获得理想的音乐境界，离不开音乐表现。音乐是通用的语言，是可以融入人的情感而存入人的心灵之中。在表现某部作品时，首先要分清音乐的特性。
一、抓住音乐的情绪是表现音乐的关键
音乐特征是指音乐内容、情绪、形象、意境等，它决定了音乐的局部特性和总体风格。音乐特性是音乐的实质，是领会音乐，把握音乐的基本要素，它决定我们用什么方式，什么手法，什么情感去表现音乐。因此，讲到音乐表现，首先要把握乐曲的音乐特征。它大致可以分为三类：抒情性的、活泼的和激情的。
二、表现音乐要把握乐曲的风格
演奏的表达方式一定要符合乐曲的内容。作曲家在写作时已经将他所知道的和所感觉到的一切都蕴藏在乐曲中了。这其中包括音乐术语，即乐曲的情绪、表情，音乐的速度、性质等；包括乐曲的力度标记，在古典作品中力度标记是从pp到ff，有p，mp，mf，f六个不同的层次，而到了浪漫乐派及后期的一些作品从pppp到ffff，幅度就更大了，还有sf、sfz、crese、dim等；包括乐曲速度的不同变化，主要有放宽（Allargando）、减慢减弱（Calando）、加快（Accelerando）、逐渐加快（Stringendo）等四种。“一首乐曲的正确演绎，来源于正确的理解，而这又得完全依靠细致的正确视谱。”
三、在音乐表现中要善于运用各种触键方式
都说音乐是声音的艺术，因为声音就是音乐本身。要使声音美妙动听，与触键的力量、力度和触键的方法有着直接的关系。弹奏强弱层次不同的音响，应该从触键上下工夫。用不同的力度，不同的用力方式都会产生不同的效果。然而自然力量的运用是良好声音的基础和保证，也是触键时保持自然放松的最佳方法。自然重量要求整只手臂都放松自如，从肩部舒展下垂，到整个手臂协调下垂，通过灵活而放松的手腕调节，将手臂的重量传到手指，手指的三个小关节都要微微突起，尤其是掌关节，必须要作为力量的支撑点，支撑好手指。所以要想自如的弹好钢琴并让它发出悦耳的声音，最重要的是学会手臂放松，手指要站立支撑好，正确运用手臂的自然重量。
1．在断奏练习中体会重量弹奏法这种练习不能离键太高，不能敲击，也不能挤压琴键，要让声音充分扬出来，具有弹性，才能有光彩。
2．当音乐要求如歌的、充满感情的弹奏时，重量的使用也起着至关重要的作用。这种练习不是靠指尖，而是要把手指放平些，用手指肉较厚的部位去弹，触键要慢，慢慢把力量送到键底。在句子进行时，要运用手臂的控制，每一步都要小心地控制。
3．当音乐要求奏出刚劲饱满，气势磅礴的声音时，用重量弹奏各种和弦是最为常见的。这种练习要求双手的触键要很整齐，手臂要松弛，自然重量要畅通无阻，才能奏出刚劲饱满，气势磅礴的声音。
4．在弹奏庄严缓慢的旋律时，手臂的重量在弹奏时要饱满深沉，充分体现出声音横向进行的力量。这种练习全部手臂和上身的力量去弹，手指贴键，触键深些、慢些。
5．另外还有运用重量弹奏快速的十六分音符或速度较快的经过句，使它光彩、均匀、流畅。这种练习重量用得太少，声音不能饱满、光彩夺目；若重量用得多手指又不能跑得太快，更不可能轻松自如，就像挑重担一样。
由此可见，重量在演奏中对钢琴音色变化的作用是很大的。它可以帮助我们更好地表现音乐，体会音乐。当然除了自如地运用手臂的重量外，还可以运用身体的重量，力度和音色也就会有更加丰富的变化了。钢琴演奏是一门表演艺术。它不仅仅是音高、节奏的拼凑，更重要的是蕴藏着作曲家丰富的情感和思想内涵，需要演奏者通过钢琴，用音乐的语言来表现乐曲的思想感情和音乐形象。不能单纯地在弹奏技巧上下工夫，更重要的是把情感融入音乐中去，创造性地展现对音乐语言的感受能力和表现能力，这就是音乐表现力的培养。除此之外，更重要的是对音乐要有内心歌唱的感觉。
在我们学习音乐的过程中，我们对于练琴只限于基本功的练习，有的也只是一些简单的处理，或者模仿录音等。就笔者而言，以前练琴是非常被动的，只是做一些表面工作，听起来就只是乒乓乒乓的声音，无论什么乐曲听上去都像是在弹奏手指练习，学起来也没有什么兴趣。其实这是一个普遍的现象，当年龄慢慢增长起来，想象力却日益衰退，最后只能是一个弹琴的机器。但在后期的专业学习中，想象给了我很大的帮助，先是对声音的想象，分辨出各种声音后，通过自己的努力弹奏出理想的音色，使我感到了极大的乐趣，促使我更努力地去学习，从而增强了学习的兴趣。以前只知道音高、音值、强弱，而现在想到的还有内心的歌唱，而且还会自觉地用听觉来检验所发出的声音是不是符合所想到的声音。因此没有想象力的演奏是没有什么生命的。
四、在音乐表现中对声音的想象
在练琴时，应该以极大的热情、注意力、想象力和分辨力进行弹奏。然而，要做到这些，首先要对听觉的要求贯穿始终，理想的声音只有通过听觉才能得到验证。当你弹第一个音时，就要对声音有一个想象，对声音要有一个鉴别力，必须要在声音上下工夫，就是练习声音。舒曼曾经在《论音乐和音乐家》中说过：“耳的意识并不次于其眼。这个繁忙的器官从周围世界的一切音响和音调中摄取一定的轮廓；经凝练后形成清晰的形态。在音乐中，直接由这些耳的意识的作用过程而激发的思想和画面的因素越多，作品的表现力则越富有诗意和创造性。同样音乐作品的感染力的程度也正是取决于音乐家在接受这些印象时的敏锐程度和想象力水平。”
五、在音乐表现中对乐曲意境的想象
如果能将一首乐曲看作一幅画去形象思维，便会取得良好的效果。即使像《小星星》这样的小曲，我们也可以大胆地想象：身处在美丽的夜晚，在深蓝色的夜空中，无数的小星星在静静地眨着眼睛……这样，把音乐注入生活，就非常自然地表现了音乐的情感。再如，我们在弹《威尼斯船歌》时，可以想象自己坐在一只小船上，四周的湖水清澈透明，湖水的周围被茂密的树林包围着，明媚的阳光照耀在波光粼粼的水面上，天气暖洋洋的，偶尔吹来一丝凉风，舒服极了！这样使歌曲的已经完全展现在脑海中，效果自然是事半功倍。音乐表演中的想象，是以对音乐作品的深刻领会为基础的；包括音乐作品、作曲家、创作背景、创作意图，一些说明性的文字等，这些都可以成为想象的依据。钢琴家郎朗说：“音乐中最伟大之处就在于你可以使用你想象中的任何东西。你可以读史，小说、看电影，然后通过音乐来编织你想象到的图画。”
六、关于音乐想象力的培养
音乐的想象力就是对音乐声音与形式方面变化及表现力的想象能力。这种想象越灵敏，越丰富，对音乐内涵的表现就越准确、越深刻。为了充分发挥我们的想象，一定要不断扩大和丰富自己的生活积累；并且要随时观察体验各种生活的自然景色和生活画面，善于捕捉那些最激动人心、最富有诗情画意的生活场景。我们不能一味地追求进度，而应该以培养音乐修养为目的。要知道学琴并不是越学越深，演奏技巧并不是总会不断提高，因此，学琴到一定程度后就是想拓宽，摄取更多的音乐作品。其中了解更多的音乐文化是最主要的方法，包括了解中外文学作品，多读关于音乐史的书籍，了解作品的时代以及特点，了解作曲家生平、背景；还可以通过多读中外文学作品开拓思路，提高表达能力；欣赏绘画作品，通过优秀的作品（绘画），提高钢琴学习者的想象力。多欣赏各类音乐作品，为开阔音乐视野，应多听音乐会、听音带，珍惜接触音乐的每一次机会，让学习者提高个人音乐素养，有利于提高作品演奏技巧，更好地表达音乐作品。当我们听多了，对音乐的感受力就会越来越敏锐，想象力也会变得更加丰富，这时我们就会在音乐中获得更多的快乐。因此。外在的体验是音乐想象的主要源泉，可以说没有生活就没有想象，没有想象也就没有音乐。对于年龄较小的琴童来说，培养他们对音乐的想象力可以采取以下几种方式：故事法、绘画法、表演律动法、讨论法。
虽然我们在弹奏乐曲时有了丰富的想象力和对音乐的表现，这一切完全由音乐本身的情绪和语言而决定。它的起伏、轻重、缓急，完全是合乎情理的需要，是可以表达的，歌唱的，因此也是自然的。其他如节奏快慢轻重强弱的变化，音色的明暗对比，通篇的句逗、休止及延长音的处理，以及高低潮的安排等都将是你的音乐表现。这些变化并不可以随心所欲，任意渲染，最重要的是自然而然，符合乐曲原旨，勉强的刻意以求只会让人感到做作。所以这一切都要变为自己的心声，是真正发自内心的歌唱，应该认识到最完美的演奏是“自然”。生动形象的体态动作语言，应具备两个特点：第一要自然，就是不扭捏做作，手势要如行云流水，轻松自如；第二要明确，就是意思要表达明确，不做无意义的动作，不做过多的动作，给人以手舞足蹈，缺少修养的感觉。动作都是次要的，那不是刻意做出来的，要想有感情有深度的演奏，前提是你必须了解要弹的曲子，必须有一定的认识，有一定的理解才行，演奏时自己的感觉要融到曲子里，要明白曲子表现的是什么，哪里欢喜哪里悲哀，只有这样才能弹出感情，这时只要全身是放松的，身体的动作自然就有了。当然，有些地方还是要自己加一些夸张点的身体动作，但必须要自然，不能脱离乐曲。关键是听觉的艺术而不是刻意追求视觉的效果。
综上所述，钢琴演奏中的音乐表现和音乐想象都是可以培养的。但你需要多接触、多学习、多思考，建议可以每天听音乐，这是自我锻炼乐感的好办法。另外还提倡大家：“行万里路，读万卷书，听万首曲”，“听万首曲又是关键的关键”。若要学习一首作品，尽量去听一些高质量的CD。因为那是经过精雕细琢的音色和音质，会对我们学习一首新作品很有帮助的。阿劳也说过：“艺术家头脑里的音乐越多，就越能成为一个伟大的解释者。”
【参考文献】
［1］（波）约.霍夫曼著.论钢琴演奏［M］.李素心译.北京：人民音乐出版社，2005：36.
［2］张前，王次昭著.音乐美学基础［M］.北京：人民音乐出版社，2005：205.
［3］（美）卡尔.西肖尔.音乐想象［J］.中国音乐学，1988：1.