19世纪上半叶,伴随着新古典主义、浪漫主义、写实主义绘画的发展,西方戏剧也不断走向写实,人们热衷于再现现实生活和逼真场景,假想的“第四堵墙”使得演员与观众之间的交流带有间接的性质。布莱希特的“间离”理论的提出,使观众意识到观看这一行为,从而摆脱沉浸式的体验,展开理性的反思,在剧场中实现与观众对话的可能。马奈是终结戏剧性最坚定的画家,通过邀请观者入画,使观众意识到画外空间的存在,艺术品由作者中心论转而变为观众的投射反馈。这是戏剧和绘画共同面临的从“戏剧性”到“剧场性”的转折。在叙事章节,文本向现代艺术敞开了自己,不再处于戏剧的顶端,那种追求整体性、追求幻象、表现现实的戏剧再也不是剧场艺术的唯一样式了,戏剧的线性叙事、台词对话均被打破,接受方式也从对幻象的追求而走向深层,走向全面。相较于传统的具有连贯性、整体性和统一性的叙事,这些小叙事的、碎片化的、象征性的叙述方式,体现了时代背景下个体对艺术认知的形式转变,通过对现代绘画和戏剧的举例、比较分析,反映了时代背景下因个体的差异、变化而拓展了叙事性的内涵与边界,实现了更自由、多样、纯粹表达的可能。空间剧作家乔治·西平说,在剧场中没有比空间更有力量的形式。同时,戏剧作为四维的艺术,时间的空间化催生了剧场的“并置”,解构了舞台焦点,实现了内容的“共时性”在剧场空间展开的设想。强调时间的真实,通过并置、去中心化、重复、共时性等方式打破舞台时间的虚幻性,吸纳观者对当下的感知,从而实现剧场的一次性实验经历。通过分析培根绘画实践的方式和特征,其超越图像的绘画形象的在场、画面空间内部的“入侵”、“扩张”运动以及反复涂抹留下的“博弈”痕迹,概括出绘画的在场、运动和时间性与戏剧空间特征的相关性。本文希望通过研究当代空间戏剧与具象绘画的创作思路和理念,从叙事和空间的角度探索近来剧场艺术和绘画中出现的新现象,为剧场实践和具象绘画发展提供一种新视角。此外,剧场艺术与绘画都立足于多学科的交叉点上,学科之间走向多元与发散,跨学科的研究对于实践类的研究者是一个梳理、比对、归纳的过程,一定程度上使得创作者能不囿于学科内部,而是以站在外面的视角把握推进的方向。