对于戏曲创新，学术界一直争论不休，有守旧，有创新，各有道理，守旧的人以传承不变为“宪法”，创新的人以创新为时尚，当然传统必须尊敬，创新也不能停止，要学习、传承，更要随时代发展而不断完善，我们今天看到的传统其实就是昨天的创新。
　　戏曲艺术不是一天两天形成的，它是经过数百年甚至上千年无数艺人不断学习和摸索创造出来的。中国戏曲不烛孤立的艺术，而是向来注重兼收并蓄，比如通过不贩表演艺术集中在一个场所演出，从而相互学习，相互促进，互相融合。东汉时期的《西京赋》里就有杂技、歌舞等同场演出的记载，唐代长安的庙会上可以看到说书、杂技、歌舞等不同表演形式，北宋出现的各种技艺演出。戏剧评论家马也认为，这种集中演出，既促使各种艺术互相竞争，也促进它们之间互相吸收、渗透、融合。经过长期的演出实践，不同艺术综合到一起，成为一个有机的统一体。于是，新的艺术形式诞生了，这就是在十二世纪形成的以歌舞手段演故事的中国戏曲，梅兰芳先生也说过戏曲就是用歌和舞讲故事。
　　对于戏曲创新，有人说创新给戏曲传承带来灭顶之灾！这是典型的“受害者思维”。戏曲衰落是因为创新太多吗？这样的说法令人啼笑皆非。重观全国百家剧种，没有创新的剧种也没有兴旺起来，我以为导致戏曲衰落的是保守，而非创新。创新的好不好，观众说了算，专家说了不算。青春版《牡丹亭》的成功创新就是一个很好的证明。实际上，戏曲创新的成功例子举不胜举，其实创新和传承是艺术兼容并蓄的开放精神。
　　如果观众喜欢创新，就值得我们认真的思考。我们可以喜欢保守，但不能阻止观众对新的追求。面对舞台上描红、勾眼、吊眉、贴鬓翘着兰花指的中老年男子，年轻的观众很难接受这就是回眸一笑百媚生的杨贵妃。难以相信这样的贵妃能让唐明皇“从此君王不早朝”时，就值得我们认真反思传统的服装、化妆、唱腔是否需要改良了。当年梅兰芳冒着巨大压力对京剧进行改革，应该也有这方面的考虑。
　　“嗜新”是艺术发展的一般规律和社会前进的动力，不值得大惊小怪。在戏曲面临生死存亡的关头，创新不仅应该得到鼓励，更应该允许失：败。在不违背法律、不违背道德，不搞色情、恐怖、封建迷信的前提下就应该允许大胆尝试，“创新”绝不能被视为贬义词。诚如中国剧协副主席罗怀臻所说：“创新从来没有枪枪命中，都是大浪淘沙、沙里淘金，几代人辛勤努力，创作无数作品，最终能有一点收获，那将是一个时代的标志，会对今后产生深远影响……在充分继承传统的前提下，怎么强调创新都不为过。
　　戏曲若不能吸引普通民众，就会慢慢耗尽血液中的养分，最终成为一具僵尸，那样戏曲就真的没“戏”了。我们国家多久没有新剧种、新流派了？曾经的300多个剧种能够常年演出的连三分之一都不到，甚至还出现了众多剧种的“天下第一团”，即只剩一个团“独唱”的现象，令人唏噓不已。极少数人“戏曲必须保守，不必创新，提倡复制和模仿大师”的观点，等于让中国永远停留在古代农业社会。“学我者生，似我者死！”道理自明，不必赘言。
　　农业社会和封建制度已经一去不复返了，光靠怀旧是没有出路的。评论家决不能只想着击鼓传花，置戏曲的前途于不顾，更不应将个人喜好当真理叫卖，只图口头痛快，把自己当成救世主，为赋新词强说愁，那不是在帮戏曲，而是害戏曲。他们“热爱”传统文化的熱情固然令人钦佩，但逻辑有问题，观点有偏误，方法不对头，说到底是艺术观、世界观出了问题。评论家需要广阔的艺术视野和开放的心态，多做真正有益于艺术，有益于大众的事，这需要一定的艺术功力和道德修养，需要一种真正为传统、为艺术、为天下百姓服务的大情怀，正如有的学者所指出的，传统是我们来的地方，但不是我们要去的地方，我们要去的地方在未来、在远方。