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诚如纪伯伦所言，“艺术是从自然迈向永恒的小小一步”。无论是西方艺术家还是国内的艺术家，都在漫长岁月里试图用艺术作品这项特殊的表达方式记录人类对于生活和思想的轨迹，并以各种特殊的载体媒介来传递某一个时期里的历史、人文，以及社会经济，乃至政治统治背景。
纵观西方艺术史，在任何时期，艺术品的存在和價值都在受社会需求的影响。远古（约前30000-前480年）人类通过抽象与简洁的方式记录了其与自然的共存，他们擅长准确、生动的描述动物的体态，这种借助于洞穴空间的艺术，使用颜色和粘黏合物质（如鸡蛋，胶，动物油脂等）在石壁上进行图画的方式，让尚未掌握透视画法的古埃及人记录了“对死后亡灵“世界的期许。此后这种记录方式在史前艺术家的引导下，通过尼罗河流域传播到了希腊，在那里传承了约有1000年后，又继续传到了北欧，可以说埃及人教会了希腊人关于艺术的早期鉴赏，而希腊人又将天性好胜的战争题材发挥到极致，让这段原本充满血腥的战乱时期成为了值得后人可歌可泣的英勇历史。如果说古埃及人通过艺术描述了“死后预想的一切”那么希腊人就将“生”的一切展现在了后人面前，并将有关于艺术的精神传递给现在的我们。 尽管在那个时代里，并没有太多的人欣赏那些石壁上精美绝伦的画作。但是欧洲还是经历了石器时代，古风时代，与此同时中东也经历了苏美文明时期，埃及文明和巴比伦文明，亚述文明，希伯来文明时期，美洲则经历了奥尔梅克文明时期。
大概在公元325年左右，艺术家开始在技艺上追寻对光线的捕捉，但此时的罗马宗教的统治极大限度的限制了艺术创作者自由发挥的题材，艺术家在大环境中失去了肯为艺术“买单”的群体，甚至有段低谷时期，他们的艺术品甚至无法被当作礼物馈赠给他人——因为没有人会去在意他们想要表达的或是记录的内涵。直到宗教势力的扩大，一种被13世纪中期称为“哥特式”的艺术沾染着浓厚的拜占庭风辗转到欧美。那个时期的历史充斥着海盗的抢夺，民众的暴动，苦难的生活让当时的人类寿命变得短暂，而为了巩固自己的教皇统治地位，让那些没有机会得到文化培养的不识字的底层人民能够被教皇在思想上进行统治，原本空洞的教堂开始出现了雕像和微型壁画。但其题材基本都是围绕有关圣书和救世主的传说。以现代的角度来看，当我们置身于当下，更多能感受的不是文化本身的自由，而是强大的思想控制欲望。
到了约9-15世纪，罗马帝国皇帝（此时教皇将皇帝的位置赐予了一个阿尔卑斯山野蛮人部落的首领），与教会进行了强烈的明争暗斗，教会迫于对抗的压力，不得不选择可以掌握民众支持的思想力量，他们开始选择与艺术家进行同盟。此时基于一些商业的兴起，一部分人有了财富积累，如法国罗纳河沿岸也处于繁荣。富有的人开始有了充足的现金，用于支付绘画和音乐，以此来进行高瞻远瞩的变相投资。画家则开始掌握透视画法，令空间中的人物更具有立体感，他们熟练的技艺使得画面在明暗交错的反差中具有强烈的视觉冲击力。艺术家不再局限于宗教的题材而为他们的新投资人——一部分拥有财富和地位的人进行现实主义作品的创作，这点让我们更能看到艺术发展的历史进程更多的取决于社会环境和经济发展的状态。需求量的增加，让艺术家开始寻求新的更为便捷的创作技法，于是就有了壁画，雕塑以外的创作载体，用铅白和柳树枝制作的素描，利用木板钢板等混合介质，配以雕刻，蚀刻，干刻等技法进行的版画和后期由穆塞山谷的两位名为“凡.爱克”的兄弟发明的在画布上作画的“颜料”，从此便又诞生了更便于售卖和馈赠，进行室内装饰的油画。
但这一切的形式仍然笼罩在历史背景的尘埃中，直到一股力量，它“承载着人们的思想和生活”，这个时期便是意大利的文艺复兴时期。画家在完全掌握了透视及近景的缩减法等成熟的技艺后，又开始通过印刷机摆脱了人工作业的高昂成本。在学者和出版商的协作下，人们开始崇尚文学，开始利用学习文化来保障自己在社会中拥有一席之地，陈旧的主题故事被乐观自由的心境取代，人们开始享受和关注物质世界的美好。而巴洛克时期则是一种向权威和强权的宣泄，艺术家借助艺术揭示和暗示了这个世界，在华丽的感官之下丑陋的统治者和那些终日沉迷于浮夸物质追求的人们的行径成为了绘画的内容之一。
在经历了法国大革命和宗教改革后，人类又进入一个新的阶段，他们奢靡的生活仍然没有停止，而此时的艺术家却开始觉醒，他们不再满足于自己的经济利益，而是在乱世中需求永恒的价值，并以此为崇高的使命。这个时期被称作女性艺术时期，艺术作品摒弃了原有的刚强和战争色彩，转而贴近生活和柔和之美。各种新介质诸如玻璃，珠宝，镶嵌技术的使用成为家常便饭，艺术家从以往被教会利用为“宣传者”的角色中解放出来，进而成为革命与帝国时期，满怀革命热忱的自我暗示者。这个时期的艺术逐渐被淡化，以至于不再是曾经向外界宣传所用的必需品。
而当人们开始审视20世界的伟大之时，艺术家的世界并非完美。他们不得不考虑和迎合那个时期的评论家的指指点点，因为评论家成为了为普通人解释艺术价值和技巧的一类被称作为“专业”的人士。以至于艺术家们为了温饱而委曲求全在这些也许并不那么懂得欣赏的评论家之下，以至于自己成为了迷途的羔羊。
综上所述，西方艺术的历史进程从开始的寻求“死后幸福”到统治者对民众的精神镇压，从迎合一部分小众富有人群的审美到隐忍评论家的指控，最终回归到思想与心灵的解放。艺术不仅仅是人类灵魂留下的记忆，更是人类历史可追溯的依据。
参考文献
[1]感知艺术（第11版，作者：美国-丹尼斯.J.斯波勒）/读懂西方美术（作者：美国-亨德里.威廉.房龙）.
作者简介：
李一萍，出生年份：1987年1月7日，性别女，民族汉，籍贯北京，职务：企业创始人，学历：大本，单位：北京壹可文化传播有限公司，研究方向：管理咨询/西方文化艺术交流。
纵观西方艺术史，在任何时期，艺术品的存在和價值都在受社会需求的影响。远古（约前30000-前480年）人类通过抽象与简洁的方式记录了其与自然的共存，他们擅长准确、生动的描述动物的体态，这种借助于洞穴空间的艺术，使用颜色和粘黏合物质（如鸡蛋，胶，动物油脂等）在石壁上进行图画的方式，让尚未掌握透视画法的古埃及人记录了“对死后亡灵“世界的期许。此后这种记录方式在史前艺术家的引导下，通过尼罗河流域传播到了希腊，在那里传承了约有1000年后，又继续传到了北欧，可以说埃及人教会了希腊人关于艺术的早期鉴赏，而希腊人又将天性好胜的战争题材发挥到极致，让这段原本充满血腥的战乱时期成为了值得后人可歌可泣的英勇历史。如果说古埃及人通过艺术描述了“死后预想的一切”那么希腊人就将“生”的一切展现在了后人面前，并将有关于艺术的精神传递给现在的我们。 尽管在那个时代里，并没有太多的人欣赏那些石壁上精美绝伦的画作。但是欧洲还是经历了石器时代，古风时代，与此同时中东也经历了苏美文明时期，埃及文明和巴比伦文明，亚述文明，希伯来文明时期，美洲则经历了奥尔梅克文明时期。
大概在公元325年左右，艺术家开始在技艺上追寻对光线的捕捉，但此时的罗马宗教的统治极大限度的限制了艺术创作者自由发挥的题材，艺术家在大环境中失去了肯为艺术“买单”的群体，甚至有段低谷时期，他们的艺术品甚至无法被当作礼物馈赠给他人——因为没有人会去在意他们想要表达的或是记录的内涵。直到宗教势力的扩大，一种被13世纪中期称为“哥特式”的艺术沾染着浓厚的拜占庭风辗转到欧美。那个时期的历史充斥着海盗的抢夺，民众的暴动，苦难的生活让当时的人类寿命变得短暂，而为了巩固自己的教皇统治地位，让那些没有机会得到文化培养的不识字的底层人民能够被教皇在思想上进行统治，原本空洞的教堂开始出现了雕像和微型壁画。但其题材基本都是围绕有关圣书和救世主的传说。以现代的角度来看，当我们置身于当下，更多能感受的不是文化本身的自由，而是强大的思想控制欲望。
到了约9-15世纪，罗马帝国皇帝（此时教皇将皇帝的位置赐予了一个阿尔卑斯山野蛮人部落的首领），与教会进行了强烈的明争暗斗，教会迫于对抗的压力，不得不选择可以掌握民众支持的思想力量，他们开始选择与艺术家进行同盟。此时基于一些商业的兴起，一部分人有了财富积累，如法国罗纳河沿岸也处于繁荣。富有的人开始有了充足的现金，用于支付绘画和音乐，以此来进行高瞻远瞩的变相投资。画家则开始掌握透视画法，令空间中的人物更具有立体感，他们熟练的技艺使得画面在明暗交错的反差中具有强烈的视觉冲击力。艺术家不再局限于宗教的题材而为他们的新投资人——一部分拥有财富和地位的人进行现实主义作品的创作，这点让我们更能看到艺术发展的历史进程更多的取决于社会环境和经济发展的状态。需求量的增加，让艺术家开始寻求新的更为便捷的创作技法，于是就有了壁画，雕塑以外的创作载体，用铅白和柳树枝制作的素描，利用木板钢板等混合介质，配以雕刻，蚀刻，干刻等技法进行的版画和后期由穆塞山谷的两位名为“凡.爱克”的兄弟发明的在画布上作画的“颜料”，从此便又诞生了更便于售卖和馈赠，进行室内装饰的油画。
但这一切的形式仍然笼罩在历史背景的尘埃中，直到一股力量，它“承载着人们的思想和生活”，这个时期便是意大利的文艺复兴时期。画家在完全掌握了透视及近景的缩减法等成熟的技艺后，又开始通过印刷机摆脱了人工作业的高昂成本。在学者和出版商的协作下，人们开始崇尚文学，开始利用学习文化来保障自己在社会中拥有一席之地，陈旧的主题故事被乐观自由的心境取代，人们开始享受和关注物质世界的美好。而巴洛克时期则是一种向权威和强权的宣泄，艺术家借助艺术揭示和暗示了这个世界，在华丽的感官之下丑陋的统治者和那些终日沉迷于浮夸物质追求的人们的行径成为了绘画的内容之一。
在经历了法国大革命和宗教改革后，人类又进入一个新的阶段，他们奢靡的生活仍然没有停止，而此时的艺术家却开始觉醒，他们不再满足于自己的经济利益，而是在乱世中需求永恒的价值，并以此为崇高的使命。这个时期被称作女性艺术时期，艺术作品摒弃了原有的刚强和战争色彩，转而贴近生活和柔和之美。各种新介质诸如玻璃，珠宝，镶嵌技术的使用成为家常便饭，艺术家从以往被教会利用为“宣传者”的角色中解放出来，进而成为革命与帝国时期，满怀革命热忱的自我暗示者。这个时期的艺术逐渐被淡化，以至于不再是曾经向外界宣传所用的必需品。
而当人们开始审视20世界的伟大之时，艺术家的世界并非完美。他们不得不考虑和迎合那个时期的评论家的指指点点，因为评论家成为了为普通人解释艺术价值和技巧的一类被称作为“专业”的人士。以至于艺术家们为了温饱而委曲求全在这些也许并不那么懂得欣赏的评论家之下，以至于自己成为了迷途的羔羊。
综上所述，西方艺术的历史进程从开始的寻求“死后幸福”到统治者对民众的精神镇压，从迎合一部分小众富有人群的审美到隐忍评论家的指控，最终回归到思想与心灵的解放。艺术不仅仅是人类灵魂留下的记忆，更是人类历史可追溯的依据。
参考文献
[1]感知艺术（第11版，作者：美国-丹尼斯.J.斯波勒）/读懂西方美术（作者：美国-亨德里.威廉.房龙）.
作者简介：
李一萍，出生年份：1987年1月7日，性别女，民族汉，籍贯北京，职务：企业创始人，学历：大本，单位：北京壹可文化传播有限公司，研究方向：管理咨询/西方文化艺术交流。